La pittura di paesaggio ha avuto origine nell’arte russa molto più tardi rispetto al ritratto e al quadro storico. Solo nell’ultimo quarto del XVIII secolo tra gli artisti russi spiccava un gruppo di maestri, per i quali l’immagine della natura divenne la specialità principale. In un periodo insolitamente breve, non superiore a due o tre decenni, la pittura di paesaggio in Russia ha raggiunto un alto livello artistico e ha preso il suo posto legittimo tra altri generi d’arte.
È notevole che tendenze realistiche siano emerse con grande forza nella prima generazione di pittori di paesaggi russi. Ma nella fase iniziale dello sviluppo della pittura di paesaggio, alla fine del 18 ° secolo, il desiderio di ricreare veramente la natura era ancora limitato da un intero sistema di tecniche e regole convenzionali che risalgono ai principi generali dell’arte del classicismo. L’immagine della natura era permessa dall’estetica classica solo nella forma di un paesaggio “storico” o decorativo, e il compito dell’artista non era tanto la riproduzione della realtà quanto la sua idealizzazione.
Il paesaggio non è stato dipinto dalla vita, ma, usando schizzi preliminari, hanno “composto” nel laboratorio, raggruppando arbitrariamente una serie di motivi grafici – montagne, cascate, boschetti, rovine, ecc., Soggetti a un compito decorativo.
Sulla base dei disegni classici, fu sviluppato uno schema per la costruzione di un paesaggio, che sostanzialmente si riduceva a quanto segue: la vista stessa era di solito rappresentata in profondità, sullo sfondo, e vicino a piani venivano costruiti come scene teatrali, come se si inquadrasse un’immagine; lo spazio era chiaramente diviso in tre piani paralleli, di cui il primo era designato marrone, il secondo verde e il terzo, il più lontano, bluastro; le transizioni da un piano all’altro sono state delineate con l’aiuto di una prospettiva lineare, tagliando oggetti che sono diventati pietre miliari nella costruzione della profondità spaziale. Le impressioni viventi della natura dovevano obbedire a questo schema e le realistiche aspirazioni degli artisti russi hanno trovato una via d’uscita solo nella riproduzione veritiera dei dettagli e dei dettagli del paesaggio con la convenzione generale dell’immagine nel suo insieme.
I primi passi verso la liberazione della pittura di paesaggio dagli schemi convenzionali furono fatti a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo dagli artisti M. Ivanov e F. Alekseev. Il completamento del loro lavoro ricadde sulla sorte del notevole pittore Sylvester Shchedrin, che negli anni Venti del XIX secolo portò la pittura di paesaggio russa a livelli senza precedenti. Shchedrin passò una scuola accademica sotto la diretta supervisione di M. Ivanov e nei suoi anni giovanili sperimentò la forte influenza della pittura di F. Alekseev. I primi lavori di Shchedrin, ancora basati in generale sulla tradizione classica, riflettevano i cambiamenti verso il realismo che caratterizzano la pittura di paesaggio dei suoi predecessori.
Già agli inizi della sua attività artistica, si ritirò dai paesaggi “composti” e si rivolse alla riproduzione diretta della vera natura. Ma solo negli anni 1820, dopo una profonda pausa creativa,
Per migliorare la sua specialità, Shchedrin nel 1818 fu inviato in Italia come pensionato dell’Accademia delle Arti. Roma fu considerata in quegli anni il centro d’arte mondiale. Artisti, in particolare pittori di paesaggi, sono venuti qui da tutta Europa.
Erano attratti dal glorioso passato dell’Italia, dalla sua grande arte e dalla natura accattivante. Qui puoi incontrare rappresentanti di tutte le tendenze e scuole sceniche. Nel variegato ambiente artistico di Roma a quel tempo, si sviluppò un’atmosfera di rivalità internazionale, un’intensa ricerca pittorica, un’intensa lotta tra il nuovo e il vecchio; le basi reazionarie dei classici si sono confrontate con le tendenze avanzate del romanticismo, il realismo emergente si è opposto alle forme d’arte tradizionali.
In questa sfida, Shchedrin, saturo di contraddizioni, riuscì a preservare l’indipendenza e l’identità nazionale del suo lavoro. Shchedrin prese immediatamente un posto di rilievo nella colonia romana di artisti.
Ha rapidamente ottenuto il riconoscimento nei più ampi ambienti del pubblico artistico. Solo pochi potevano competere con lui nella forza del talento e del livello di abilità. Gli insegnanti – nel senso letterale della parola – non ha trovato né nella generazione più anziana né tra i suoi coetanei. Ma lo stretto contatto con le nuove tendenze nella pittura di paesaggi è stato fruttuoso per Shchedrin.
Ha assorbito avidamente le abbondanti e diverse impressioni artistiche, e la loro elaborazione critica severa ha servito come un potente impulso allo sviluppo del suo lavoro. Insieme ai migliori pittori del paesaggio del suo tempo, cercava un vero trasferimento della natura, una vivace spontaneità della sua percezione, per studiarla sulla natura, ma per raggiungere questi obiettivi ha fatto il suo modo originale e originale. Padroneggiando un metodo di immagine realistico, Shchedrin si allontanò dall’individuo, Dettagli del paesaggio analiticamente studiati per una nuova generalizzazione pittorica.
Ha contrastato la convenzionalità decorativa dei paesaggi accademici con una riproduzione impeccabilmente accurata dell’oggettività materiale del mondo.
Scrutò il Colosseo e le rovine della vecchia Roma, mentre un ritrattista scruta il volto della persona che ritrae. Già questo superamento del decorativismo rappresentava un decisivo passo avanti verso il realismo. Ancora più fecondi e significativi furono i cambiamenti nell’atteggiamento nei confronti della realtà stessa, nel contenuto e nell’interpretazione dell’immagine della natura. Il dipinto “Vecchia Roma” è stato, in sostanza, l’ultimo lavoro scritto da Shchedrin con un occhio al vecchio stile accademico.
Da antichi ricordi, si è trasformato in una modernità vivente e nel successivo, nel 1825, ha scritto l’immagine “Nuova Roma”, che divenne, per così dire, un programma della sua ulteriore ricerca artistica. D’ora in poi, Shchedrin non è più attratto dalla grandiosità del passato, non dalla dura bellezza delle rovine classiche, ma dalla poesia della realtà, dal fascino della natura,
L’immagine tradizionale di Roma, come la “città eterna”, il luogo di nascita di famosi monumenti d’arte e testimone della gloria passata di un grande popolo, lascia il posto a una nuova immagine: l’immagine della Roma moderna e la sua solita vita moderna, con barche da pesca sul Tevere e vivaci gruppi di cittadini in primo piano nell’immagine. Avendo superato la tradizione del “paesaggio eroico” e la comprensione della natura sviluppata dall’Accademia delle Arti come pretesto per memorie storiche, trasformandosi in vita, realtà contemporanea e natura reale, Shchedrin ha anche vinto il tradizionale schema accademico di soluzione artistica del tema del paesaggio. Il nuovo contenuto dell’immagine ha portato a una nuova forma pittorica. “New Rome” segna una svolta nello sviluppo del lavoro di Shchedrin.
A partire dalla metà del 1820, inizia il periodo di massima fioritura del suo talento.
Tutto il più prezioso nella sua eredità è stato creato proprio in questi anni. Sylvester Shchedrin in Italia scrisse due città: Roma e Napoli. La vita italiana si incarna in entrambi come il migliore, il momento principale dell’esistenza dell’artista e il suo tema nell’arte.
I paesaggi di Roma sono l’introduzione alla storia, all’alta tradizione artistica, ai paesaggi di Napoli – l’introduzione alla vita reale, variegata, incurante e spericolata. La “Nuova Roma” non è un’illustrazione pittoresca della storia del mondo, ma una città moderna è bella perché combina naturalmente il grande passato e il presente con tutto il suo quotidiano. La città, che ha una sua vita unica, in cui le persone e le loro abitazioni, le acque del Tevere e le barche sulla riva, i portici del ponte e la massa del castello, le nuvole nel cielo e la cupola della cattedrale costituiscono un tutt’uno.
Petra in lontananza.
Nella pittura, tutto ciò è trasmesso dall’unità di illuminazione e dall’unità tonale del colore. Secondo i suoi contemporanei, “quest’opera è stata così piacevole a Roma che molti volevano averla. L’artista… ha dovuto ripetere questo look otto volte, ma amando l’arte e la natura, non voleva essere un copista della propria opera. Ogni volta che cambiava aria e tono quadri e quindi prodotto otto quadri, uno stesso tipo di rappresentazione, ugualmente originale “.
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