Il dipinto “Madonna in the rocks” Leonardo da Vinci iniziò nel 1483, ricevendo un ordine per la pittura dell’altare da una delle confraternite religiose. Le discrepanze con i clienti a causa del pagamento hanno portato al fatto che Leonardo da Vinci ha lasciato il quadro a casa, completandolo infine tra 1490 e 1494 anni. La dimensione del dipinto è di 198 x 123 cm, tela, legno, olio.
Il dipinto “Madonna in the Rocks” può essere considerato la prima monumentale composizione altare del Rinascimento. In contrasto con l ‘”Adorazione dei Magi” qui questo compito è risolto da lui pienamente armato di abilità matura. L’adorazione fiorentina abbondava in una varietà di primo e secondo piano.
Nel dipinto del Louvre, l’artista ha raffigurato solo quattro figure in primo piano: la Vergine Maria, l’angelo, il Cristo bambino e il piccolo Giovanni Battista. D’altra parte, queste immagini acquisivano le caratteristiche di grandezza generalizzata; in confronto, i personaggi delle prime opere di Leonard sembrano meno significativi. Le immagini della “Madonna nelle rocce” possono essere definite idealmente belle, ma con l’aggiunta obbligatoria che preservano la pienezza dell’espressività della vita.
Prima di tutto, questo si riferisce all’immagine della stessa Madonna, il cui amore materno si esprime non solo nel gesto della sua mano, allo stesso tempo in cui benedice e protegge il suo bambino, ma anche in una profonda concentrazione interiore, in quella concentrazione di sentimento dell’anima, rispetto alla quale appare ingenua giovane madre nella foto “Madonna con un fiore”.
Quattrocento conosceva due tipi predominanti di immagini in composizioni pittoriche: immagini statiche di solenne anticipazione o una narrazione dettagliata, una storia vivace. Nel dipinto di Leonard “Madonna in the Rocks” non c’è né l’uno né l’altro. I personaggi sono privi di vincoli, sono caratterizzati da una completa libertà di movimenti fisici e mentali.
Non esiste una descrizione narrativa chiaramente espressa dell’argomento; invece di fissare chiaramente un punto specifico, Leonardo trovò nella fotografia del Louvre uno dei più importanti principi pittorici del Rinascimento, che può essere definito come l’incarnazione dell’immagine umana in uno stato di esistenza armonica, un equilibrio speciale di movimenti interni ed esterni. Questo non è un singolo momento, è uno stato peculiare, “duraturo”, libero, tuttavia,
Anche l’ambiente dei personaggi è presentato in un modo nuovo: una sorta di grotta tra rocce bizzarre, che assomiglia a giganteschi cristalli scuri di forma, il terreno punteggiato di vari colori. Separatamente, ogni pietra, ogni filo d’erba e di fiore è la migliore immagine della natura, prova dell’immensa conoscenza di geologia e botanica di Leonardo da Vinci, ma in generale formano un paesaggio di carattere quasi fantastico. Questo non è più uno sfondo, ma un peculiare ambiente emotivo che entra in comunicazione attiva con le immagini umane – non è per niente che le figure sono raffigurate non di fronte al paesaggio, come è accaduto prima, ma nel paesaggio stesso.
La tradizionale dissociazione quaternaria del primo piano e dello sfondo fu così definitivamente superata.
Per abbinare il carattere generalizzato delle immagini, la “grande” visione della natura e il pensiero molto compositivo di Leonardo da Vinci. La sua precedente Adorazione dei Magi rispetto al dipinto Madonna in the Rocks sarebbe sembrato semplicemente caotico. Nell’immagine del Louvre manifestava chiaramente la capacità di posizionare le figure secondo una chiara e distinta costruzione geometrica: sembrano essere inscritte in un triangolo isoscele, il cui vertice coincide con la testa di Maria.
Così Leonardo da Vinci gettò le basi per la composizione piramidale estremamente diffusa nella pittura del Rinascimento, contribuendo alla creazione di soluzioni chiare e armoniche.
Nella foto del Louvre, le figure si sentono libere e naturali entro i confini di questa costruzione, soprattutto perché Leonardo da Vinci evita il geometrismo secco, introducendo tonalità aggiuntive nella composizione. Quindi, facendo nell’angolo in basso a destra della figura due figure – l’angelo e il piccolo Cristo, – l’artista lo bilancia con un ampio spazio in alto a sinistra, in modo che la statica calma della composizione piramidale sia arricchita dal movimento lungo la diagonale. Tali tecniche di equilibrio dinamico complesso diventeranno caratteristiche dei maestri del Rinascimento.
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