In uno spazio chiuso con una finestra aperta, che si affaccia sul tortuoso paesaggio toscano – il fiume e le colline – Botticelli ha presentato un gruppo di figure che hanno una relazione compositiva più complessa rispetto ai primi esempi del suo “Madonn”.
Le cifre ora non sono così vicine tra loro. Mary con la testa leggermente arcuata in una triste premurosità tocca la spighetta. La direzione del suo sguardo è vaga.
Seduto sulle ginocchia della mamma, un bambino serio alzò la mano in un gesto di benedizione.
Un giovane angelo con una faccia ovale appuntita e una saggezza non infantile è un’immagine insolita per i primi Botticelli. Allunga un piccolo vaso di uva e spighe di grano al piccolo Cristo.
Uva e spighe di grano: vino e pane sono un’immagine simbolica del sacramento, le future sofferenze del Signore, le sue passioni. Secondo l’artista, dovrebbero formare il centro semantico e compositivo dell’immagine, unendo tutte e tre le figure. Leonardo da Vinca si è dato lo stesso compito.
Nel vicino “Benoit Madonna”. In esso, Maria allunga un fiore crocifisso al bambino – il simbolo della croce. Ma Leonardo ha bisogno di questo fiore solo per creare una connessione psicologica chiaramente tangibile tra madre e figlio; ha bisogno di un argomento su cui possa ugualmente focalizzare l’attenzione di entrambi e focalizzare i loro gesti.
In Botticelli, anche un vaso con uva assorbe completamente l’attenzione dei personaggi. Tuttavia, non si unisce, ma piuttosto li separa internamente; guardandola pensieroso, si dimenticano l’un l’altro.
L’immagine sente l’atmosfera di pensiero profondo, distacco, disunità interna dei personaggi. Ciò è in gran parte dovuto alla natura dell’illuminazione, anche, diffusa, quasi senza dare ombre. La luce trasparente di Botticelli non elimina l’intimità, la comunicazione intima, mentre Leonardo crea l’impressione del crepuscolo: avvolgono gli eroi, lasciandoli soli l’uno con l’altro.
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