Alla fine del 1480, le immagini religiose di un intimo piano da camera furono sostituite nel lavoro di Botticelli con composizioni su larga scala, come se fossero indirizzate a un pubblico più numeroso. Mentre negli anni 1484-1489, Botticelli sembra essere soddisfatto di se stesso e vive serenamente un periodo di gloria e abilità, l’Altare di San Marco mostra già un senso di confusione, nuovi allarmi e speranze. L’impatto di questo dipinto è in gran parte dovuto all’interpretazione della visione celeste, satura di motivi religiosi e simbolici con una colorazione apocalittica.
Furono ispirati dai sermoni di Savonarola a Firenze, che presto portarono a un colpo di stato politico che si concluse con l’espulsione dei Medici nel 1494.
Nella soluzione dei temi, altre intonazioni ora suonano sempre di più, è riempito con un suono drammatico acuto. Il formato stesso delle opere di Sandro di questo periodo sui motivi religiosi è di natura allargata, che conferisce loro un nuovo significato. Un tipico esempio di questo tipo di composizione è l’altare di San Marco, una delle opere più importanti di Botticelli.
La Corporazione dei gioiellieri fiorentini era responsabile del mantenimento e della decorazione della chiesa domenicana di San Marco, una delle cappelle della chiesa era dedicata al loro patrono Sant’Eligia. L’immagine dell’altare di “L’incoronazione di Maria con angeli, Giovanni Evangelista e Santi Agostino, Girolamo ed Eligii”, noto come altare di San Marco, scritta da Botticelli intorno al 1488-1492, era destinata a questa cappella. Il fatto che l’immagine dell’altare sia stata ordinata dai gioiellieri spiega l’uso di una grande quantità di oro in questo pezzo.
Lo sfondo dorato nella parte superiore del quadro distingue tra il mondo celeste e quello terrestre, tuttavia, entrano ancora in contatto nello spazio del quadro, una tale interpretazione era insolita per le opere di quel tempo.
La parte centrale dell’altare è caratterizzata da tratti arcaici: le figure di angeli e santi differiscono nettamente per dimensioni; La fantastica nicchia in cui è racchiusa la scena dell’incoronazione contrasta con l’interpretazione più realistica dell’ambiente spaziale dei quattro personaggi principali. Circondato da angeli esultanti, Dio Padre e la Vergine Maria siedono su troni celesti e sotto i loro piedi c’è un tappeto di nuvole. Botticelli ha magistralmente inscritto l’aurora dalle sue figure nella parte superiore semicircolare del quadro, in linea con l’architettura a cupola della cappella.
Quattro figure monumentali di santi situate a semicerchio in un prato, sullo sfondo di un paesaggio con un lago e rive collinari. L’apostolo Giovanni, autore del Vangelo, delle Epistole e dell’Apocalisse, raffigurato con un libro in rilievo, funge da mediatore tra gli spettatori della visione e la fantastica rotazione degli angeli attorno all’arcobaleno di cherubini e serafini che confinano con la scena dell’Incoronazione di Maria. L’apparizione di angeli sullo sfondo di raggi dorati, in accecante luminosità, tra la pioggia di rose e il paesaggio terrestre con le sue rocce e il prato deserto su cui sorgono i santi, sembrano enfatizzare il contrasto tra la fantastica realtà celeste e attraente e il mondo materiale.
Nella rappresentazione degli angeli c’è molta eccitazione, il gesto giuramento di San Girolamo respira fiducia e dignità. Allo stesso tempo, c’è una certa deviazione dalla “perfezione delle proporzioni”. L’intensità sta crescendo, relazionandosi, tuttavia, esclusivamente con il mondo interiore dei personaggi e quindi non privo di grandezza, la nitidezza del colore, diventando sempre più indipendente dalla luce e dall’ombra, aumenta.
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