“Dinner at Emmaus” è una storia popolare nell’arte cristiana. Si basa sull’episodio menzionato nel Vangelo di Luca.
Dopo la crocifissione di Cristo, due dei suoi apostoli hanno invitato uno sconosciuto che avevano appena incontrato per condividere la cena con loro. Durante il pasto, uno sconosciuto ha benedetto tutti e spezzato il pane. In quel momento, gli apostoli si resero conto che il loro ospite, in effetti, era Gesù risorto. È un breve momento di questa intuizione che raffigura Caravaggio.
Per chi l’artista ha dipinto il quadro è sconosciuto, si può solo dire che è stato creato a Roma, nel 1602, nel mezzo della riforma del controllo.
Questo periodo è stato caratterizzato dalla necessità della chiesa di trasmettere direttamente le idee e i messaggi ai credenti, anche attraverso opere accuratamente selezionate su argomenti religiosi. Per seguire questa direttiva, i maestri di quel tempo dovevano essere il più realistico possibile. Quindi, lo stile di Caravaggio è stato presumibilmente progettato specificamente per creare opere d’arte su temi biblici, che corrispondevano ai compiti stabiliti dall’autorità clericale.
Il trasferimento del dramma profondo dell’immagine è l’uso del chiaroscuro. Come in molte altre opere di Caravaggio, si può osservare la predominanza dei toni marrone scuro; in una stanza chiusa viene utilizzata la luce intensa, che cade verticalmente sulle persone rappresentate, creando così un forte contrasto con le aree scure.
A differenza di molti dipinti di quel tempo, basati su una prospettiva lineare, Caravaggio cerca di cancellare i confini tra l’immagine e lo spettatore, lo spazio dell’immagine e lo spazio reale. Sembra che l’autore non voglia che i suoi personaggi esistano solo all’interno della tela. Le figure sulla tela sono dirette in avanti, verso lo spettatore, e il muro dietro di loro sembra essere spostato a pochi metri di distanza.
Sembra che la mano tesa dell’apostolo a destra dall’interno tocchi la tela su cui è dipinto il quadro. Il gomito del secondo sembra davvero aver superato la linea tra lo spazio dell’immagine e la realtà. Un cesto di frutta, inaffidabile in piedi sul bordo del tavolo, crea la sensazione di poter ribaltare la minima spinta.
L’inclusione rappresentata nello spazio reale contribuisce alla mancanza di sesso nella foto.
Per tali illusioni ottiche nelle opere di Caravaggio, la nuova atmosfera religiosa di Roma era l’ideale. Pertanto, Sant’Ignazio di Loyola, nei suoi esercizi spirituali, ha esortato i credenti a usare tutti e cinque i sensi quando guardano le opere cristiane, non solo per comprendere la trama sulla tela, ma anche per cercare di presentarsi fisicamente nella scena raffigurata.
Come “San Matteo”, anche il dipinto “Cena da Emmaus” è stato criticato. Molti furono confusi dall’aspetto rurale degli apostoli e di Cristo, che – contrariamente ai canoni – fu rappresentato senza barba.
“La mancanza di proprietà” – la critica più comune a Caravaggio. L’antipatia dei contemporanei ha causato il desiderio di Caravaggio di mostrare agli apostoli in una forma non verniciata: sporca, lacerata, disordinata.
I commenti hanno anche richiamato i frutti sul tavolo: uva, fichi e melograni. Sono i frutti dell’autunno, mentre la crocifissione e la risurrezione di Cristo hanno avuto luogo in primavera. Ma la scelta di questi frutti può essere spiegata se si tiene conto del loro valore simbolico.
La mela marcia è un simbolo di tentazione e caduta, l’uva simboleggia il sacrificio di Cristo. Il pane è anche un simbolo riconoscibile del corpo di Gesù nel simbolismo cristiano.
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