Uno degli eventi più significativi nella vita artistica di Parigi all’inizio del 20 ° secolo fu il Salone d’autunno del 1905, la cui scoperta fu accompagnata da uno scandalo. Numerosi giovani artisti, raggruppati attorno a Henri Matisse, espongono lì una serie di opere che hanno provocato un’esplosione di indignazione da parte del pubblico e le critiche francesi abituate alle sensazioni. Scritte con colori vivaci e luminosi, con un enfatizzato disinteresse per le regole del disegno e della prospettiva, senza alcuna apparente preoccupazione per la credibilità, queste opere sono state percepite come una sfida audace al “buon senso” e al “buon gusto”.
Il pubblico ha soprannominato i giovani pittori Les fauves, da cui in seguito il termine fauvismo. Al tempo delle prime esibizioni fauviste, i dipinti del defunto Gauguin non provocarono indignazione da parte della maggioranza, sebbene una serie di aspetti li avvicinasse alle opere di giovani innovatori. Gauguin era sempre presente elemento dell’esotico, che agli occhi del pubblico giustificava la convenzione del suo linguaggio artistico.
I fauvisti, d’altra parte, riproducevano il quotidiano, tutti i giorni, ma trasformavano quello raffigurato con audacia senza precedenti.
Sotto un certo aspetto, erano più vicini all’immagine reale dei fenomeni di Gauguin. Quest’ultimo, di regola, si rifiutava di trasmettere l’illuminazione, mentre Matisse e i suoi compagni ricreavano effetti solari sulle loro tele. Tuttavia, per il loro scopo, hanno usato il nuovo linguaggio artistico. Il colore nelle opere dei fauvisti il più delle volte non trasmette la vera colorazione degli oggetti; un’altra funzione gli è assegnata – deve evocare certe associazioni ben distinte con lo spettatore.
Il gruppo fauvista non durò a lungo. Dopo uno o due anni, i giovani artisti hanno seguito strade diverse, ognuna a modo suo. Nel 1908, in uno degli articoli, Matisse formulò il suo compito nell’arte come segue: “Quello che sogno è un’arte equilibrata, pura, calma… che sarebbe per ogni essere umano…
Vista della cittadina di Collioure scritta da Matisse nel afoso pomeriggio meridionale. Gli articoli mancano di un contorno chiaro. Inizialmente, lo spettatore vede una foschia di colore solido, in cui galleggiano punti luminosi, vibranti, colorati.
A poco a poco, inizia a navigare in questo caos, colorato come una trapunta patchwork. Il cielo nel paesaggio è bianco dal caldo. I contorni delle montagne viola si sciolgono in una foschia biancastra, il colore blu del mare si dissolve nella luce spietata del sole, le macchie gialle e arancioni dei tetti piastrellati si sciolgono.
Rovente, come se emettesse luce dal calore, il terreno in primo piano viene trasmesso in un colore rosso caldo. Rispetto al terreno, anche le pareti imbiancate a calce delle piccole case sembrano essere più fresche, quindi sono dipinte con vernice lilla.
Solo una stretta fascia di ombra verde scuro corre lungo le case. Le finestre sono dipinte con la stessa fredda vernice verde: il freddo crepuscolo regna all’interno degli edifici. L’audace innovazione di Matisse sta nel fatto che con l’aiuto del colore puro, usando le sue proprietà associative, trasmette non solo la luce, ma anche sensazioni di calore.
L’artista continua a risolvere questo problema in molte delle sue opere successive. L’immagine è entrata nell’Ermitage nel 1948 dal Museo Statale di New Western Art di Mosca.
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