“Il mare è la mia vita”, ha detto l’artista. Aveva la capacità di trasmettere il movimento e il respiro del mare. Fin dall’infanzia, Aivazovsky amava il mare e riuscì a creare un’immagine veritiera e poetica di elementi sconfinati, alla cui percezione romantica rimase sempre fedele. Il maestro si distingueva per un insolito pensiero pittorico. Sulla tela, l’artista crea combinazioni luminose e sorprendenti con il suo magnifico suono decorativo.
Tali opere sono percepite come una sinfonia di colori, come una canzone di bellezza. “Se avessi vissuto per altri trecento anni”, ha detto l’artista, “avrei sempre trovato qualcosa di nuovo nel mare”.
Spesso nelle foto di Aivazovsky si possono vedere persone che ammirano la maestosa bellezza della natura. L’artista vede una parte integrante dell’universo nell’uomo. I suoi eroi romantici “immaginari” sono autoritratti a modo loro. L’artista ha aperto il suo metodo di immagine dalla memoria, anche senza schizzi, limitato a un semplice schizzo con una matita.
Giustificando questo metodo, l’artista ha detto: “I movimenti degli elementi viventi sono inafferrabili al pennello: scrivere un fulmine, una folata di vento, un’ondata di onde è impensabile dalla natura”. fonde il gioco smeraldo della spuma del Mar Nero. Successivamente, non importa quanti mari scrisse, tutto ciò che ottenne fu un’acqua verde chiara con pizzo viola di schiuma caratteristica del suo nativo Evksinsky Pontus.
Le impressioni più vivide erano associate al mare; ecco perché ha dedicato tutta la sua arte all’immagine del mare. Con la stessa potenza, potrebbe trasmettere lo splendore della luce solare che brilla sull’acqua, la trasparenza della profondità del mare e la schiuma bianca delle onde. Le opere di Aivazovsky spiccavano tra le opere dei pittori contemporanei per le sue qualità coloristiche.
Nel 1840, durante il passaggio della mostra a Berlino, il recensore del giornale locale spiegò il suono accresciuto dei colori nelle opere dell’artista russo con il fatto che era sordo e muto e questa mancanza fu compensata da una visione accresciuta. Il critico rigoroso I. N. Kramskoy scrisse a P. M. Tretyakov: “Probabilmente Aivazovsky possiede il segreto per disegnare le vernici e persino i colori sono segreti; non ho visto colori così brillanti e puri nemmeno sugli scaffali delle botteghe mercantili”.
Aivazovsky sperimentò l’influenza dei pittori marini olandesi del 17 ° secolo, arrivò alla tecnica della pittura “ad acquerello”, quando il colore si sovrappone alla tela con sottili strati sovrapposti. Ciò ha permesso di trasmettere le più piccole gradazioni colore-tono. Cominciò a dipingere il quadro Aivazovsky, raffigurante il cielo, o come lo chiamava dopo il suo insegnante all’Accademia delle Arti M. N. Vorobiev – aria.
Qualunque sia la dimensione della tela, Aivazovsky scrisse “aria” in una sessione, anche se si estendeva fino a 12 ore di seguito. Fu questo sforzo titanico che raggiunse la trasmissione di ariosità e l’integrità dello spettro dei colori del cielo. Il desiderio di completare il quadro il più rapidamente possibile è stato dettato dal desiderio di non perdere l’unità dell’umore del motivo, di trasmettere allo spettatore il momento fermo nella vita dell’elemento mobile del mare.
L’acqua nei suoi quadri è un oceano infinito, non tempestoso, ma ondeggiante, severo, senza fine. E il cielo, se possibile, è ancora più infinito. “La trama del dipinto”, ha detto l’artista, “è nella mia memoria, come la trama di una poesia di un poeta; dopo aver fatto uno schizzo su un pezzo di carta, mi metto al lavoro e fino a quando non lascio la tela finché non ho il pennello”. Parlando dei suoi dipinti, Aivazovsky ha osservato: “Quei dipinti in cui la forza principale è la luce del sole… dovrebbero essere considerati i migliori”.
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