Questo capolavoro di Giotto è la perla della cappella del Arena. Il centro della composizione sono due facce vicine: il Cristo morto e sua madre. È qui che l’occhio dello spettatore conduce il pendio di pietra e le viste del resto della scena. La posizione della Vergine Maria, chinandosi su Cristo e fissando intensamente il volto senza vita del Figlio, è molto espressiva.
La tensione emotiva di questa storia “pittorica” è senza precedenti – non troveremo analoghi in essa in quel momento dipingere.
Simbolico qui è il “paesaggio”. La pendenza di pietra divide l’immagine in diagonale, enfatizzando la profondità della perdita fatale. Le figure che circondano il corpo di Cristo, con le loro posture e gesti, esprimono varie emozioni.
Vediamo davanti a noi stoicamente il dolore di Nicodemo e Giuseppe d’Arimatea, singhiozzando Maria Maddalena, aggrappandosi ai piedi di Cristo, donne che agitano le mani nella disperazione e piangendo la morte degli angeli del Salvatore. Questo capolavoro di Giotto in forma concentrata dimostra la natura innovativa della sua pittura. Il divario con la tradizione bizantina prevalso nell’arte medievale è marcato qui. Questo vale per tutto.
La storia sacra si trasforma in una storia vivente.
È a Giotto che la pittura cessa di essere solo un commento ausiliario sulle Sacre Scritture, acquisendo un significato indipendente. L’artista si allontana dagli stereotipi, rifiuta un rigido sistema simbolico, è interessato a complessi effetti spaziali e ottici. È interessato al mondo nella sua diversità. È finalmente interessato alla verità del sentimento umano e del pensiero umano. I suoi personaggi perdono la loro precedente immagine iconografica: sono tozzi, con la faccia larga, dotati di un aspetto maestoso, vestiti con abiti e impermeabili dal taglio semplice con tessuti pesanti e monocromatici drappeggiati in ampie pieghe.
Boccaccio ha scritto che gli eroi dell’artista sono persone completamente viventi, semplicemente non possono parlare.
Il ruolo più importante in Giotto inizia a giocare a colori. Ora non sta solo esprimendo il simbolismo celeste e non tanto quanto aiuta a dare una vera persuasività, volume di plastica a figure e oggetti, a distinguere i personaggi principali, a rivelare il significato ideologico della composizione. Nelle sue composizioni, Giotto analizza l’anima di una persona, esamina i suoi sentimenti, mostra vari aspetti del suo personaggio, il suo stato morale.
Scene religiose che ritrae nell’ambiente terreno, al posto del terreno dorato dei bizantini ha un paesaggio o edifici.
Alcune scene di Giotto prendono a prestito dall’arte bizantina, ma le riciclano, facendo rivivere una nuova vita. Sì, per i gusti di oggi, l’artista recita a volte in modo molto incerto. Ma il percorso è programmato. E questo percorso porterà ai vertici del Rinascimento.
Sembra che Giotto e, diciamo, Michelangelo non possano nemmeno essere paragonati, ma che Michelangelo, che sappiamo, non sarebbe mai accaduto, secondo noi Giotto non aveva fatto questi passi incerti.
I primi passi verso la nuova arte lo stesso Michelangelo lo capì bene, apprezzando i meriti del suo predecessore. Sì, e le valutazioni di altri grandi contemporanei e discendenti stretti parlano di volumi. Parlano dello shock che hanno vissuto con i dipinti di Giotto.
Chiamiamo Dante, Boccaccio. Chiamiamo lo stesso Vasari.
(2 votes, average: 3,50 out of 5)