Il paesaggio russo della svolta del XIX-XX secolo nell’opera dei Viandanti ricevette due linee di sviluppo. Uno era associato alla direzione accademica del paesaggio delle specie e si distingueva per la secchezza e la morbidezza della scrittura, l’altro ramo, che, in seguito a Levitan, Savrasov, Polenov, fu raccolto dagli artisti di nuova generazione – Turzhansky, Petrovichev, Vinogradov, professava un paesaggio lirico e filosofico. Questa linea si distingueva per una trasmissione sensibile nelle immagini della natura delle esperienze emotive dell ‘”anima della natura stessa”.
Nel tempo, i giovani artisti summenzionati si sono uniti al sindacato “Unione degli artisti russi”.
Tra questi c’era Stanislav Yulianovich Zhukovsky. Il suo dipinto La chiesa della Natività della Vergine. Zvenigorod, scritto nel 1904 nel monastero Savvino-Storozhevsky vicino a Zvenigorod, continua la serie tematica di paesaggi architettonici di monasteri e cimiteri, che il pittore iniziò nella seconda metà del 1890.
Il lavoro di Zhukovsky è caratterizzato da una combinazione di opere in una serie, in ognuna delle quali la composizione della trama è varia.
L’inizio principale nel quadro raffigurante la Chiesa della Natività della Vergine di Zvenigorod è il trasferimento del fascino poetico dell’unità dell’antica architettura e natura russa. Inizio primavera Il sole emette un luminoso bagliore ardente sulle cupole dorate della cattedrale di pietra bianca e lascia profonde ombre blu sulla neve di marzo. E, nonostante il fatto che un cimitero sia situato vicino al tempio, non c’è un’ombra di dolore nella foto e nel paesaggio che si diffonde una grazia speciale, caratteristica dei luoghi santi.
Alla ricerca delle tecniche pittoriche più espressive, l’artista scrisse rami intrecciati di alberi nudi con tratti di pennello rapidi e precisi e modellò le superfici bianche del tempio con un ampio tratto strutturato che va a dipingere con una modellazione in rilievo su cupole; ancora più carico di punti luminosi.
Il maestro si rivolse al modo corporeo di scrivere, cioè usò potenti stratificazioni e abissi di vernice, piccoli tratti posati con un pennello sottile, combinati con il lavoro di una spatola. Usando grandi piani di colori bianchi e blu, l’autore ha dato al pezzo un suono decorativo che corrispondeva più da vicino al personaggio del momento rappresentato. Stanislav Zhukovsky poteva scrivere solo dalla natura, e solo quel motivo che lo catturò completamente, che rispose alla sua essenza interiore. Ha scritto molto rapidamente. Anche un’immagine di grandi dimensioni, come testimoniano i contemporanei, ha preso cinque o sei sessioni.
Mentre lavorava, all’artista non piaceva essere distratto, valorizzando il suo tempo e affrettandosi a fissare quei preziosi momenti di illuminazione, la cui ricostruzione era il lato più forte del suo lavoro.
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