Nella prima metà del XVIII secolo. Lo sviluppo dell’arte inglese è molto controverso. Sullo sfondo di un numero enorme di imitatori senza volto che lavorano nel genere dei ritratti da parata, solo un piccolo numero di veri maestri può essere distinto.
Tra questi, prima di tutto, va citato il nome di William Hogarth, che è giustamente considerato il fondatore della scuola nazionale inglese.
Vale la pena iniziare con il fatto che Hogarth è uno dei primi nella pittura britannica, sulle cui tele non prendono vita scene bibliche, non piene di studi simbolici, ma la vita inglese di tutti i giorni – come è realmente, senza abbellimenti, piena di eventi gioiosi e tragici. Il fascino delle origini nazionali era dovuto al fatto che l’artista voleva catturare la società contemporanea, cioè la società, di cui lo spettatore fa parte.
Iniziando la sua carriera come illustratore di libri, Hogarth spesso guardava mentre i collezionisti locali erano più disposti ad acquistare dipinti di maestri italiani o olandesi e sognava che un giorno l’arte nativa non sarebbe stata meno richiesta. E ora, dopo alcuni anni, Hogarth sta compiendo i primi passi verso la formazione delle tradizioni nazionali inglesi nel quadro delle belle arti del suo paese natale.
Ma doveva ancora rispondere alla domanda più importante: perché abbiamo bisogno dell’arte? Il futuro di tutte le sue imprese dipendeva dalla risposta. E Hogarth trova la risposta giusta. Per lui, l’arte è uno specchio della vita di tutti i giorni, durante il quale vengono rivelate alcune verità. In altre parole, l’artista nelle sue tele esprime idee sulle fatalità dei vizi e sull’utilità delle virtù.
Scene domestiche: una conferma visiva. Nei dipinti di Hogarth, lo spettatore osserva a cosa conduce il vizio e come la virtù si rivela salutare, perché una persona finisce la sua vita in povertà e l’altra in pace e prosperità.
Nella pittura, Hogarth lavora per principio teatrale. Rompe una trama in più atti, ogni azione si svolge su una tela separata. Quindi i dipinti, uniti da un’unica idea, l’artista mette in una serie e l’intera storia di uno o l’altro vizio si svolge davanti allo spettatore.
Hogarth ha creato diverse serie del genere: “Career prostitutes”, “Career mota”, ecc. La vita appare sotto il pennello di Hogarth in tutta la brutta verità e il difetto è completamente esposto.
La più famosa della serie creata dall’artista è “Career Mota” e il suo accordo finale – “Moth in Bedlam”. L’immagine è una delle opere più potenti di Hogarth nell’ambito della direzione artistica, che cerca di mostrare oggettivamente la vita in tutta la sua tragedia. La falena muore a Bedlam, un rifugio per i pazzi.
Ha perso la testa, ha perso le sue condizioni, ha perso tutto. Nessuno vicino a lui e coloro che onorava per i suoi amici, e solo una sola persona piange sinceramente la sua morte – la ragazza che una volta la falena aveva lasciato.
Successivamente Hogarth concentra sulla tela tutti i tipi di follia. Sullo sfondo, lo spettatore vede un fanatico religioso, un uomo che ha perso la testa a causa di delusioni di grandiosità. Un altro pazzo sta disegnando una sorta di mappa sul muro, mentre il cieco guarda attraverso un tubo del telescopio.
Anche tre figure sulle scale sono simboliche: un violinista ghignante, un cantante con il cappello da idiota e un uomo che guarda timidamente da una parte. L’intera azione si svolge accompagnata dai commenti caustici del nano e dagli sguardi beffardi delle bellezze secolari che conoscevano la falena nella sua vita precedente. E tutto ciò è vita, una delle sue molte manifestazioni.
E tutto ciò avrebbe potuto essere evitato se il mot non avesse venduto l’anima al vizio.
Hogarth è un narratore eccellente. Tuttavia, l’edificazione dell’immagine non soffre. La composizione gioca un ruolo importante qui.
L’artista ha posto il gruppo principale di persone in primo piano, facendo una scelta a favore della costruzione diagonale dello spazio.
Hogarth è sempre stato convinto che le linee morbide siano preferibili a linee dritte o spezzate. Gli accenti ideologici sono posti attraverso il gioco della luce; dallo sfondo scuro generale, il pittore afferra le figure della falena, piangendo la sua ragazza e due donne. La vita è rappresentata nell’essenza stessa: la tragica collisione del dramma umano e la spietatezza della società.
(2 votes, average: 3,50 out of 5)