Più di trenta volte un grande artista ha dipinto i suoi ritratti. Se si desidera trovare qualcosa di comune in ognuno di essi, ma se non fosse per le foto del maestro, non avremmo mai saputo come appariva nella realtà.
Qualsiasi dipinto per un artista non è solo una riproduzione del mondo circostante, ma anche un’introduzione di se stesso in questo mondo. Per un artista così difficile, complesso e speciale come Picasso, l’autoritratto è un modo per trasmettere i tuoi sentimenti interiori e il tuo programma creativo in momenti speciali e chiave della tua vita.
Autoritratto del 1901 – l’inizio del periodo depressivo “blu”. In questo momento, l’artista sta vivendo la prima crisi della sua vita, la sua ricerca non trova risposta tra la gente. Non può vendere una sola opera, il suo stato d’animo è al limite della completa disperazione. Succede sempre con una persona creativa, la cui visione del mondo non è in alcun modo coerente con le tradizioni e le visioni estetiche prevalenti nella società. Bene, gli artisti sono spesso in anticipo sui tempi.
Il colore di sfondo blu freddo è sostituito da un mantello blu scuro e capelli neri e barba dell’eroe. Questo freddo vortice di colori cattura lo spettatore e indica la strada per decifrare l’idea dell’autore.
Il centro dell’opera diventa il volto dell’eroe: quasi bianco, senza vita, congelato. La pelle è allungata fino al cranio, guance infossate, labbra senza sangue strettamente compresse. Uno sguardo acuto e cacciato, un mantello ben abbottonato – tutto testimonia la solitudine creativa, il distacco da un mondo estraneo e freddo. Nella semplicità delle linee del mantello, il “nuovo” Picasso è già indovinato, e il viso, tracciato con cura, rappresenta piuttosto l’estetica del maestro.
Questa fase di transizione, che porta tanta sofferenza all’artista, è il soggetto dell’immagine dell’autore.
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